На лекции, посвященной академической музыке «шестидесятых», речь шла о том, как после окончания Второй мировой войны развивалась идеология «Новой музыки», начало которой было положено в творчестве А. Шёнберга и его учеников, моде на атональную музыку и торжестве сериальной техники композиции, которую пропагандировал П. Булез. И возвращении к тональности в творчестве его учителя О. Мессиана, который нотировал пение птиц и использовал эти записи в своих сочинениях.
Мы узнали о развитии электронной музыки: конкретной музыке П. Шеффера и экспериментах К. Штокхаузена. Поговорили о принципе «случайности» (алеаторике), который разработал в своих сочинениях Дж. Кейдж, его увлечении немузыкальными звуками, а также об изобретениях композитора — препарированом рояле и графических партитурах. Познакомились со стохастической и текстурной музыкой Я. Ксенакиса, послушали как звучит подобная музыка на примере сочинений К. Пендерецкого.
Поговорили об «инструментальной конкретной музыке» Х. Лахенмана и технике музыкального коллажа на примере «Симфонии» Л. Берио. Завершили лекцию обсуждением музыки американских минималистов.
Лектор: Филипп Дворник — историк искусств.

Песня группы The Beatles «A Day in the Life», которая завершает альбом Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, — хороший переход от разговора о популярной музыке 1960-х к рассказу об академической музыке тех же годов. Два раза, в конце припева, мы слышим нарастание гула оркестровых тембров, достигающих почти невыносимого напряжения в верхней точке звучания. Альбомом Sgt. Pepper’s… Битлз дали понять, что в поп-музыке возможны серьезные концептуальные высказывания, а значит, она уже перестала быть просто развлечением. К тому же, здесь они показали, как на их собственное творчество повлияла музыка их современников — авангардных академических композиторов. За год до того, как группа начала работать над этим альбомом, Пол Маккартни послушал композицию «Пение отроков» Карлхайнца Штокхаузена — одного из важнейших авангардных композиторов времени. С этого момента The Beatles в студии начали экспериментировать с разными оркестровыми тембрами и аранжировками.

The Beatles

В начале XX века, умами владели Бетховен, Брамс, Вагнер

Нужно понимать, в каком контексте писалась академическая музыка, что происходило с музыкальным миром после Второй мировой войны. Европа была разрушена и вместе с ней обрушилась музыкальная карта мира До середины XX века в академической музыке безраздельно правили немецкие музыкальные традиции. Весь академический романтизм был построен в XIX веке на открытиях, которые были разработаны в немецкой и австрийской музыке. В начале XX века, умами владели Бетховен, Брамс, Вагнер… Но в 1945 это положение было кардинально пересмотрено потому, что нацистская пропаганда использовала музыку как инструмент, с помощью которого демонстрировалось превосходство германской нации над другими. В конце девятнадцатого века считалось, что музыка — наивысшее и наиабстрактнейшее из искусств, и что она показывает степень развития"духа" нации. Соответственно немцы считали, что они духовно превосходят все остальные народы в том числе и потому, что во всем мире нет музыки, превосходящей немецкую. Однако, когда Германия потерпела поражение в войне, позиция лидера в музыкальной жизни осталась бесхозной. Старую музыку классико-романтической традиции считали дискредитированной из-за того, что она служила пропаганде нацистских ценностей. Поэтому «Новая музыка» (нем. NeueMusik), которая зародилась в начале XX века как преодоление той самой классико-романтической традиции, стала культивироваться в большинстве послевоенных стран (Франции, Америке, Италии и в самой Германии). О «Новой музыке» речь пойдёт немного позже. Стоит только сказать, что это не стиль музыки, а некая тенденция, которая стремилась экспериментировать с музыкальными формами и средствами выразительности, уходя всё дальше от привычно звучащей музыки XIX века.

Герберт фон Караян
Герберт фон Караян — австрийский дирижёр. Работал с Берлинским филармоническим оркестром на протяжении 35 лет. Оставил после себя одну из самых обширных дискографий
Что можно сказать о ситуации Холодной войны? Музыка могла от этого выиграть… На продвижение национальной культуры государства тратили большие деньги. Всё это делалось для того, чтобы поддерживать репутации соперничавших стран. В 1960-е Европа, наконец, оправилась от последствий войны, были восстановлены города, наступил расцвет расцвет культуры потребления. В общем, государства могли позволить себе очень щедро финансировать культуру и музыку в том числе. Конечно же, больше всего этим занимались в Соединенных Штатах при помощи инвестиций в национальные музыкальные программы и фонд поддержки искусства. От этого движения не отставала и Франция, но больше всего преуспела Германия, в которой начала развиваться самая радикальная авангардная музыка.

Но сначала несколько слов о том, что слушало большинство любителей академической музыки и о звёздах 1960-х. То есть о той самой старой музыке, которую стремились преодолеть композиторы ХХ века. Музыкальный монополист 1960-х Герберт фон Караян начинал свою карьеру еще до войны, в начале 1930-х годов в Австрии. Он вступил в национал-социалистическую партию Германии, потому что это было очень выгодно для музыканта «арийского происхождения», тем более, что он посвятил всю свою жизнь пропаганде немецкой музыкальной традиции. После окончания Второй мировой войны многие немецкие артисты проходили процедуру публичной денацификации, отрекаясь от взглядов времен Третьего рейха. Караяну не пришлось этого делать, он даже не сдал свой партийный билет, так и оставшись бывшим нацистом. Этот дирижер хотел задать стандарт исполнения романтической музыки навечно, такой несгораемый и неопровержимый стандарт. Казалось, что до его смерти никто не может разрушить его гегемонию.

Леонард Бернстайн — американский композитор, пианист, дирижёр и популяризатор академической музыки. Дирижировал многими ведущими оркестрами мира, главный дирижёр Нью-Йоркской филармонии
Однако у него был соперник: американский еврей Леонард Бернстайн. Они ненавидели друг друга, предпочитали не встречаться. Бернстайн, параллельно с тем, как развивалась карьера Караяна, захватил вершину в американской музыке: он стал главным дирижером Нью-Йоркского филармонического оркестра. К тому же, он был превосходным композитором: его мюзикл «Вестсайдская история» стал примером того, как могла развиваться академическая музыка, если бы большинство выдающихся композиторов 1950−60-х годов не встало в слишком радикальную позицию и не отвернулось от публики. Леонард Бернстайн, так же как и Караян, оставил огромное количество записей и открыл для слушателей многие незаслуженно забытые произведения, особенно много он занимался пропагандой американской академической музыки.

А пока еще одно явление, которое было популярно в музыке двадцатого века — это музыкальный аутентизм. В 1960-е годы начинали свою карьеру самые известные музыканты этого направления: упомяну двоих — голландца Густава Леонхардта и австрийца Николауса Арнонкура. Густав Леонхардт был клавесинистом, а клавесин вошел в моду только в начале XX века: в XIXвеке было не принято исполнять музыку на инструментах, постепенно вышедших из употребления. Для аутентизма характерно использование старинных инструментов и особое внимание к музыкальной культуре того времени, когда была написана исполняемая музыка. По-английски это называется «historicallyinformedperformance», то есть «исторически осведомленное исполнение». Музыкант изучает старинные трактаты по музыке, особенности исполнительских стилей прошлых времён, музыкальную орнаментику, изучает способы извлечения звука из старинных инструментов. В оборот вводится огромное количество инструментов, которые в результате развития музыки исчезли из обихода. Например, виола да гамба, клавесин, барочная скрипка. Например, Николаус Арнонкур, известный больше как дирижёр, влился в движение аутентистов, когда стал играть на виоле да гамба и параллельно с работой в Венском симфоническом оркестре основал ансамбль барочной музыки «ConcentusMusicus».

Теперь речь, наконец, пойдет о музыке модернизма, то есть — уже упоминавшейся «Новой музыке». Разговор придётся начать издалека. В 1920-е годы в Германии возник термин «новая музыка» — так называли всю музыку, которая звучала непривычно. Это была музыка композиторов, которые стремились порвать с романтической традицией. Преодоление немецкого романтизма началось в самых недрах традиции, когда Густав Малер ещё на рубеже XIX и ХХ веков писал совисимфонии. Очень быстро он стал кумиром для новых композиторов. Его современник Арнольд Шенберг пошел еще дальше — он придумал атональную музыку. Если вся классико-романтическая традиция основывалась на музыке, где есть определенный гармонический центр, так называемая тоника, то Шёнберг начал пользоваться музыкальной техникой, позволяющей избежать тонического центра, вообще исключить тональность из музыки. Композитор создал технику, которая позволяла писать музыку в пантональности, то есть во всеобщей тональности, при помощи двенадцатитоновых серий. Эта техника была названа «додекафония», то есть двенадцатитоновая музыка. У Шенберга было два выдающихся ученика — Антон Веберн и Альбан Берг. Они продолжили развивать его идеи делали собственные эксперименты в 1920−30-е годы.

Теодор Людвиг Визенгрунд Адорно
Теодор Людвиг Визенгрунд Адорно — немецкий философ, социолог, композитор, музыковед. Представитель Франкфуртской критической школы

Новая музыка взяла на себя всю темноту и виновность мира

Ученик Альбана Берга Теодор Адорнов 1949 году издал книгу под названием «Философия новой музыки» и таким образом стал идеологом этого направления."Новая музыка" порывала с классико-романтической традицией на уровне как идеологии, так и техники, и до сих пор для большинства слушателей звучит непривычно, а некоторых даже шокирует. Теодор Адорно в своей книге «Философия новой музыки» сделал радикальное заявление: «Новая музыка взяла на себя всю темноту и виновность мира. Все свое счастье она видит в распознавании несчастья».Проще всего сказать, что это музыка, которую невозможно запомнить и невозможно напеть, которая повергает в состояние шока от того, что вы не понимаете, что происходит. На первый взгляд кажется, что она хаотична, но это впечатление обманчиво.

Из композиторов, которые повлияли на музыку 1950−60-х годов стоит особенно отметить француза Оливье Мессиана. Он служил органистом в церкви в Париже и был одним из крупнейших композиторов духовной музыки ХХ века. Парадокс заключается в том, что в технике, в стиле, в новшествах, которые он предлагал, Мессиан был одним из главных радикалов в музыкальной истории. Он вдохновлялся ритмическими открытиями Стравинского. Мессиан понял, что одним из самых репрессивных элементов музыки является метр. В 1941 году, оказавшись в немецком плену, он написал «Квартет на конец времени». В названии — отсылка к фразе из «Апокалипсиса»: «…не будет больше времени, но при звуках трубы седьмого Ангела тайна Божия свершится». Идея, которая была формально включена в основу композиции, заключалась в том, что метр стирался, чувство ритма постоянно ускользало. Такое обращение с ритмом дало возможность музыкальную длительность сделать одним из переменных параметров в процессе композиции. Мессиан продолжал впоследствии экспериментировать, ставя высоту звука в зависимость от его длины. Он был знаменит также тем, что не отказывался от тональности, а главным источником для музыкального материала сделал пение птиц.

Его ученик Пьер Булез был вдохновлен возможностью сопоставлять разные параметры звука, и разработал новую технику композиции, которая стала называться сериальной. Сериализм — техника композиции, которая в качестве принципа выдвигает учет параметров не только высоты звука, но и длительности звука, его тембра, акцента (штриха), с которым он берётся и т. д. Пьер Булез был одним из главных провокаторов в истории авангарда, он постоянно грубо и скандально критиковал других композиторов, бесконечно писал полемические статьи и манифесты. Он был законодателем мейнстрима в академической музыке 1950-х годов. Большинство композиторов авангарда являлись сами себе теоретиками и писали музыку на основе собственных теоретических разработок. Пьер Булез был подавляющей фигурой среди композиторов благодаря своей энергии и агрессии. Может тоже подчеркнуть? Поэтому он сильно повлиял на музыку 1960-х годов, хотя в эти годы сочинял очень мало новых вещей.

Немного нужно рассказать об электронной музыке, которая возникла в 1940-х годах, а в 1960-х продолжала очень быстро развиваться. Французский инженер, композитор и музыковед Пьер Шефферстал автором так называемой конкретной музыки. Суть ее заключается в том, что на звуковой носитель (магнитную плёнку) записываются звуки окружаущие нас в определенном месте. Запись можно нарезать и монтировать из её отрезков музыкальное произведение. «Конкретной» такая музыка называется потому, что в ней используются найденные в окружающем мире «конкретные» звуки. Её так же можно называть акусматической, то есть такой музыкой, которая демонстрируется перед публикой только в записи, без участия музыкантов.

Джон Милтон Кейдж
Джон Милтон Кейдж — американский композитор, философ, поэт, музыковед, художник. Пионер в области алеаторики, электронной музыки и нестандартного использования музыкальных инструментов, Кейдж был одной из ведущих фигур послевоенного авангарда
Другой композитор, без которого не понять музыку 1960-х годов — американец Джон Кейдж. Про него важно знать, что он создал технику композиции, основанную на принципе случайности, — так называемую алеаторику. Существует множество способов пустить случайность в музыкальное произведение, но самый явный — это допустить несколько возможных вариантов исполнения одного и того же фрагмента и предоставить музыканту во время игры следовать указанием случайно выпавших сочетаний. Ещё одним открытием Кейджа стало использование в пьесах исключительно немузыкальных звуков: скрипов, хлопков дверей, звука мотора и т. д. Ещё раньше, в 1940-е годы, он придумал специально изменять звуки фортепиано, подкладывая между струн посторонние предметы: болты и гайки, деревяшки, войлок… До сих пор композиторы часто пишут музыку для подготовленного таким образом фортепиано, которое принято называть «препарированным». Джон Кейдж также экспериментировал с электронной музыкой, смонтировав в 1952 году одну из важнейших композиций ХХ века WilliamsMix. Также в 1950-е Джон Кейдж вместе с другим важнейшим американским композитором Мортоном Фельдманом разработали способ графического описания звука, из чего получились так называемые графические партитуры. Также с Кейджем связана одна из самых радикальных революций в музыке. Кейдж предлагал в композиции тотальную случайность, и единственным постоянно присутствующим параметром его произведенияхсталхронометраж. Таким образом Кейдж свел к нулю одну из важнейших особенностей музыки — способность создавать и поддерживать собственное течение времени. В живом исполнении одно и то же произведение никогда не укладывается в жесткий хронометраж: от исполнения к исполнению слегка меняется темп, продолжительность пауз и т. д. После Кейджа и после широкого распространения звукозаписи музыкальное произведение оказалось в заложниках у секундомера, и посмотрев на часы, мы теперь можем точно сказать, когда оно закончится.
Янис Ксенакис
Янис Ксенакис — французский композитор и архитектор греческого происхождения. Один из лидеров современной Новой музыки и концептуализма в архитектуре, создатель стохастической музыки

Стохастическая музыка

Во Франции появился композитор, который подошел к проблеме случайности в музыке с другой стороны. Это был грек Янис Ксенакис, который в 1956 году ввел термин «стохастическая музыка», для описания музыки, основанной на законах вероятностей и законах больших чисел. Он такую музыку и писал, оглядываясь на времена Пифагора, когда музыка была неразрывно связана с математикой. Процесс сочинения композиции у него был похож на работу инженера, тем более что он сам был инженером-архитектором. Если, пользуясь математикой, можно просчитать давление, оказываемое поверхностями в пространстве, то можно просчитывать и движение звука. Музыку Ксенакиса называют текстурной, потому что в ней важен не звук отдельно взятого инструмента, а движение целых пластов звука, образованных одновременным звучанием множества голосов, эффект от такой музыки действительно можно сравнить с движущейся текстурой или переливающейся и изгибающейся поверхностью.

Настало время рассказать о немецкой авангардной музыке, которая фактически из национальной превратилась в интернациональную, когда в 1940-е годы в Дармштадте были организованы Международные летние курсы новой музыки. В 1950−60-е каждый год на этих курсах встречались практически все радикально мыслящие современные композиторы и на семинарах представляли свои версии музыки будущего. Одним из самых влиятельных здесь оказался Карлхайнц Штокхаузен, который в эти годы очень много экспериментировал с электронными звучаниями, был одним из главных изобретателей новых музыкальных форм. Он работал в Кёльнской Студии электронной музыки и в 1960-е годы основал в Кёльне собственные курсы Новой музыки. Здесь можно привести, как пример, уже упоминавшуюся композицию Штокхаузен «Пение отроков».

Карлхайнц Штокхаузен
Карлхайнц Штокхаузен — немецкий композитор, дирижёр, музыкальный теоретик. Один из крупнейших новаторов музыки второй половины ХХ века и лидеров музыкального авангарда

Из всевозможных звуков рождаются выверенные композиции

Другим важнейшим немецким композитором стал представитель уже более младшего поколения, который в 1960-е только начинал свои эксперименты — Хельмут Лахенман. Он стал изобретателем инструментальной конкретной музыки. Суть ее заключена в том, что музыка пишется для обычных инструментов, но звуки из них извлекаются непривычными способами. Из всевозможных постукиваний, шуршаний, шипений, глухих ударов и прочих непривычно взятых звуков рождаются предельно выверенные музыкальные композиции.

Из итальянских композиторов 1960-х годов упомяну только одного, потому что уже не достаточно времени. Лучано Берио был одним из первооткрывателей постмодернистской эстетики коллажа в музыке тех лет. Его Sinfonia (1968) вся состоит из процитированных или спародированных фрагментов сочинений других композиторов. После Берио многие композиторы продолжали использовать коллажную технику, переосмысляя музыкальное наследие прошлого.
И в заключении снова пара слов об американской музыке. В 1960-е годы зародилось самое влиятельное и популярное среди слушателей течение в академической музыке, которое условно принято называть «минимализм». Композиторы, которых относят к этому течению, Ла Монте Янг, Терри Райли, Стивен Райх, Филип Гласс — увлекались изучением музыкальных традиций других цивилизаций: особенно сильно на многих из них повлияла Индийская традиционная музыка, а также индонезийский оркестр Гамелан. Главное открытие минималистов — это принципиально открытая форма композиции, построенная на мельчайших музыкальных паттернах, тональных конфигурациях. В такой музыке есть тональность и пульс, который захватывает и исполнителей, и слушателей, а неожиданные смещения тонального центра производят потрясающе сильный эмоциональный эффект.

Филип Гласс
Филип Гласс — американский композитор. Гласс называет себя создателем «музыки с повторяющейся структурой»

Авангардистское движение в конце 1960-х пришло в тупик

В академической музыке 1950−60-х годов совершились открытия, которых хватило на все последующие десятилетия ХХ века. До сих пор композиторы пользуются техниками, которые были найдены тогда в жестоких спорах на семинарах Дармштадтских курсов, в лабораториях Новой музыки по всему миру. Но в итоге авангардистское движение к радикальному обновлению музыкального языка в конце 1960-х пришло в тупик. Тогда композиторы снова обратились к тональности, к наследию прошлых музыкальных эпох. Что в 1970-е привело к расцвету минимализма в Америке, полистилистике или коллажности в музыке европейских композиторов.

ОСТАВЬТЕ ОТВЕТ

Please enter your comment!
Please enter your name here