Искусство 1960-х:
концептуальные практики

Отражение действительности и использование массовой продукции в создании произведений искусства представителями поп-арта. Абсурдизация общества потребления в скульптурах Класа Ольденбурга, реальность из конвейера в шелкографиях Энди Уорхола.

Объекты в пространстве и времени и безличная эстетика произведений художников-минималистов. Сущность концептуализма и искусство после философии Джозефа Кошута.

Уход от урбанистических холодных структур и взаимодействие с природным ландшафтом представителей лэнд-арта. «Игры с минимализмом» и попытки вернуть тело пост-минималистов.
Анастасия Котылева
историк искусств, куратор
На протяжении всего XX века художники занимались тем, что пытались выяснить, каковы границы искусства и как оно устроено. Шестидесятые продолжают эту славную традицию.

Нужно обратиться к тексту влиятельного критика, который начал свою работу еще в тридцатые годы. Это статья Клемента Гринберга «Авангард и китч», впервые опубликованная в 1939 году. Гринберг считал, что самое передовое искусство — авангардное, он определял его как искусство в поисках абсолюта. А лучшим искусством среди всего авангардного, по его мнению, было беспредметное искусство, абстракция. Гринберг писал, что авангард — это подлинно высокое искусство, элитарное искусство, последний оплот культуры. Авангарду он противопоставлял китч. Он говорил, что китч — это массовое искусство, не требующее от зрителя никакого усилия, нечто отвратительное. Гринберг поддерживал движение абстрактного экспрессионизма в американском искусстве.

Также важным моментом для искусства шестидесятых является то, что эта эпоха существовала между двух полюсов. С одной стороны, это время появления разных материалов, которые может использовать каждый (пластик, акриловая краска), время появления унифицированных продуктов питания и широкодоступного телевидения. С другой стороны, это время студенческих волнений, время политического протеста. Модус яркого урбанизма, культуры потребления и модус протеста — это то противостояние, которое двигало многих художников.
Джексон Поллок
Джексон Поллок
Искусство поп-арта всем известно, потому что оно кажется понятным, оно яркое и привлекательное. Абстрактный экспрессионизм был популярен, он очень хорошо продавался, проходили огромные выставки по всей Европе и Америке. Это было портретом американского искусства начала 1960-х годов. А художники, обращавшиеся к поп-арту, хотели уловить нерв изменившегося общества, хотели отразить действительность. Они решили из этой действительности выхватывать массовый продукт, брать окружающую среду и использовать ее для произведений. Художники поп-арта, которые сейчас кажутся дизайнерскими, на тот момент воспринимались художественной критикой как нарушающее табу нечто.

Клас Ольденбург — это художник, начинавший с искусства хеппенинга. Первым его поп-артистским проектом можно считать магазин, который он открыл в 1961 году. Он снял помещение на одной из улиц Нью-Йорка и сделал из папье-маше самые разнообразные предметы, которые будто бы могли продаваться. Это были грубые, немножко страшные копии обычных предметов. Он сделал экспрессивную копию магазина для мигрантов, в котором продается всё: от еды до одежды и предметов быта. Вместо прайса он повесил в окне свой манифест, в котором говорил, что желает, чтобы в искусство можно было высморкаться, как в носовой платок, чтобы оно билось, как флаг на ветру, чтобы оно стало материальным и ощутимым. После этого проекта, Ольденбург обращается к созданию больших мягких, фактурных скульптур обыденных предметов, которые выполнены в увеличенном размере. Он одомашнивает предметы широкого потребления, он их абсурдизирует, гипертрофирует, делая их жутковатыми игрушками.
Клас Ольденбург - «Магазин».
Клас Ольденбург - «Магазин»
Пожалуй, самым известным из всех авторов является Энди Уорхол. Он начинал свою карьеру как иллюстратор журналов, это были очень нежные рисунки туфелек, котиков, которые никак не соотносятся с его будущим творчеством. Однажды Уорхол решил нарисовать две картины с кока-колой, которую он считал демократическим продуктом. Ему очень нравилось, что ее пьет и президент Америки, и бродяга на углу. Одну бутылку кока-колы Уорхол изобразил с экспрессионистскими подтеками, а вторую нарисовал очень холодно, почти в чертежной манере. Его друг, содержатель одной нью-йоркской галереи, сказал, что лучше выполнять работы холодно, вычищено, а не мешать множество стилей. Уорхол начал свои первые выставочные проекты с очень скучного изображения повседневных объектов, в них нет живописного качества. После, он переходит к изображению знаменитостей. Он уравнивает и звезд, и предметы потребления, говоря, что все это — унифицированная культура, в ней нет гуманизма, человечности. Но это хорошо, ведь гуманизм и духовность — это ложные ценности, а искусство должно представлять несфабрикованную реальность. Фигура Энди очень противоречива. Он говорил, что товары общего потребления демократичны, а банка супа «Кэмпбелл» прекрасна, но, с другой стороны, по его дневникам понятно, что он старался создавать холодное искусство. Также он создал несколько фильмов, в которых множество раз происходит одно и то же, на протяжении всего экранного времени. Постоянная скука повседневности, которую Уорхол пытается запечатлеть, не подразумевает зрителя.

Художники поп-арта обращаются к обществу потребления. Они его или абсурдизируют, как Ольденбург, или дотошно повторяют, как Уорхол. Является ли это критическим жестом или восхвалением? Однозначного ответа здесь не найти. Уорхол пытается сделать ход, при котором он не вскрывает механизмы действия рынка, не критикует их, а, признаваясь им в любви, совершает более радикальный жест. Нужно отметить, что Уорхол также был создателем знаменитой «Фабрики» (арт-студия Энди Уорхола) и помогал музыкальной группе The Velvet Underground.
Энди Уорхол
Разговор о минимализме следует начать с художника Фрэнка Стеллы. Он создает абстрактное искусство, но его противовес состоит в том, что Стелла придумывает единую логическую процедуру. Он решает заполнять черными полосами одинаковой толщины алюминиевые листы. Это искусство направлено против эмоциональности абстрактного экспрессионизма. Здесь идет речь о создании некой унифицированной эстетики, эстетики без индивидуальности. Один из критиков сравнивал работы Стеллы с закрытыми дверями лифта, то есть эти работы не впускают в себя, а у зрителя нет возможности подключиться к ним эмоционально. Искусство Стеллы вполне соответствует концептуализму, оно тоже ужасно скучное. Минимализм — это работа с объектами и пространством. Дональд Джадд, друг Фрэнка Стеллы, тоже обращается к урбанистической эстетике. Его работы заказываются на заводе, делаются из стали и оргстекла. Это уже чистый отказ от попытки рукотворности. Работы Джадда — это безличная эстетика, выражаемая в очень холодных формах.

Подводящим черту проектом можно назвать «Первичные структуры» Кинастона Макштайна. Фраза «первичные структуры» отражает сущность того, что пытались сделать художники минимализма. Они старались найти некие минимальные единицы, которые влияют на наше восприятие пространства и предмета. Отказ от диалога, отказ от идеологического высказывания, радикальная замкнутость минимализма противопоставляется обществу потребления, о котором говорит Уорхол. Некоторые минималистические выставки создавались в поддержку студенческого движения, это был такой пустотный разговор.
Фрэнк Стелла
Дональд Джадд
Концептуальное искусство идет еще дальше по линии снятия материальной стоимости, по линии разрушения изображения. Отходя от яркого поп-арта, мы видим искусство, которое ничего не репрезентирует. Работы становятся невозможными для удовольствия, они не подразумевают визуальной развлекательности, они антиэстетичны.

Одним из самых известных художников-концептуалистов Джозеф Кошут придерживался более сложного мнения. Его известная статья 1969 года «Искусство после философии» повествует о том, что время философии, ориентированной на метафизический опыт, прошло, а современная ему философия не может дать удовлетворительных ответов. Он считает, что наступает конец философии и начало искусства. Точкой отсчета искусства Кошут берет работы Марселя Дюшана. По его мнению, делать искусство — значит все время думать о его границах. Эта работа также связана с лингвистической теорией: с понятиями означающего, означаемого и знака.
Роберт Барри, Дуглас Хуэблер, Джозеф Кошут и Лоуренс Вайнер
Роберт Барри, Дуглас Хуэблер, Джозеф Кошут и Лоуренс Вайнер
Другой стороной развития минимализма становится искусство, которое возвращает опыт тела, возвращает человека. Следует вспомнить лэнд-арт. Художники лэнд-арта использовали органические материалы, и создавали огромные пространственные объекты в таких местах, куда никто не может добраться. Вынесение города в природу становится некоторым выходом из повторяющейся монотонности урбанизма. Другой попыткой вернуть тело становится постминималистичное искусство. Роберт Моррис говорит о том, что нужно перейти к материалам, реагирующим на тело, взаимодействующим с человеком. Он начинает создавать мягкие скульптуры из войлока, к которым можно прикасаться.
«Когда отношения становятся формой»
«Когда отношения становятся формой»
Уход от сухого и выверенного искусства до искусства процессуального отражает выставка 1969 года «Когда отношения становятся формой» Харальда Зеемана — человека, который создал институт независимого кураторства. Зееман сделал из Бернского Кунстхалле международную площадку, начал выставлять в Европе американский поп-арт. Выставка «Когда отношения становятся формой» стала соединением американских и европейских традиций того времени.
медиапортал HITCH.SPACE
mail@hitch.space